Geoffroy Pithon: Unveiling Geoffroy Pithon: A Journey through his Artistic World

Since MAAT Gallery's inception, Geoffroy Pithon has been a defining artist, evolving in parallel with the gallery’s own journey. At the heart of his work lies a seamless blend of painting and graphic design, driven by a relentless pursuit to craft unconventional forms of visual communication.

When I spoke with Geoffroy, I wanted to uncover more about the influences that shape his aesthetic and creative process. During our conversation, I asked him if he had a guiding quote, a personal mantra of sorts. I love asking this of people I’m just getting to know; their answers often reveal insights into their universe. His answer: “Il y a un autre monde mais il est dans celui-ci” (quote by Paul Eluard)  which translates into “there is another world but it is in this one.” I ask him why he loves it and he tells me that the image of an imaginary world coexisting with the actual world pushes the realms of possibilities, making everything seem possible. This sense of infinite potential is something I also see woven throughout his paintings. Each time I view a piece, I discover new worlds hidden within the larger one. Here too, endless possibilities unfold, and as viewers, we have the freedom to choose which ones to embrace. What I love about Geoffroy’s work is the sense of agency it gives me as a viewer—allowing me to control not only what I see but how I see it. It is up to us to recognize the countless worlds that exist within the greater whole.

This conversation offers a glimpse into Geoffroy Pithon’s inner world and creative process. His paintings are vivid, bold, charismatic, and striking—qualities that define his work. I hope this interview takes you on a journey that evokes these very sensations. On that note, I welcome you to Geoffroy’s world.

-Soraya.

S: “Could you quickly introduce yourself for me?”

GP: “I graduated from "Les Arts Décoratifs"  de Paris in 2012, I was exclusively a graphic designer for 8 years before I decided to start my artistic career in 2020.”

S: “When did you consider yourself an artist?”

GP: “I began to see myself as an artist once I started working independently in painting. My process is distinct in that I work across a variety of formats, scales, and disciplines, all centered on paper. It’s a multidisciplinary approach that weaves together painting, paper, and color, aiming to transcend traditional boundaries and engage with diverse areas of contemporary creativity.”

S: “Was there a precise moment that you decided to dedicate yourself to art?”

GP: “I was part of a graphic design collective called Formes Vives, which gave me the chance to explore a wide range of creative projects. When the collective ended around 2020, it opened up the opportunity for me to fully dedicate myself to art. I’m grateful to my former colleagues and friends from that time!”

S: “What was your first memory linked to art?”

GP: “My earliest artistic memory is tied to the music of my childhood—the songs my parents played, which weren’t exactly meant for children. Even then, I remember feeling moved by Bob Dylan’s music, sensing its depth before I could fully understand it. As I grew older, certain children’s books left a lasting impression on me as well. One in particular, Thomas Blue Eagle, a beautifully illustrated book portraying Native American life, captivated me. It’s a book I cherished then, and continues to inspire me today.”

S: “Talking about inspiration- who and what exactly inspires you?”

GP: “Inspiration has always been a complex topic for me, as I see it as a continuous flow of energy. Every day, I find inspiration in my surroundings—my objects, my books, my family, my friends, and the unique ways I can perceive and engage with the world. I am especially inspired by artists who defy boundaries, refusing to limit themselves to a single discipline. These are the true adventurers of art, who embrace freedom in their creative expression.

Take Oskar Schlemmer, for example, who seamlessly move between theater, design, and painting. Or Mariano Fortuny, a relatively unknown artist from the late 19th and early 20th century whose work I greatly admire. Miquel Barceló also stands out for his ability to merge ceramics and performance art.

When it comes to painting, Rose Wylie is a strong influence, as is Isabella Ducrot, a recent discovery. It’s difficult to name just a few because there are so many whose work speaks to me. English painting holds a special place for me, with artists like David Hockney embodying what I admire most in that tradition. In France, the early 20th-century Nabis movement, with figures like Pierre Bonnard, André Derain, and Paul Gauguin, fascinates me. I admire how they bridged fine and applied arts, giving their paintings a decorative potential—an ability to transcend the canvas and become part of everyday objects.

Each of these artists, in their own way, embodies the kind of fluidity and creative courage that deeply inspires me.

” S: “How did you find your creative process and artistic niche?”

GP: “I discovered my approach simply through practice. Working on paper felt natural—it connects to my background in graphic design, where paper has always been foundational. My earliest paintings were on paper, and it was through those first works that I truly learned to paint. My process is rooted in action and being fully present; I don’t begin with predetermined subjects or a detailed plan. For me, the perfect equation is action combined with presence.

S: “What has been the evolution of your creative process?”

GP: “My creative process evolves in response to my professional environment. Working with MAĀT Gallery, for instance, has allowed me to explore new questions around the types and scales of painting I create. I feel that my work is always in motion—how I approach it now is different from how I once did, and I know it will continue to change in the future.”

S: “In this case then, what has changed and what has stayed the same?”

GP: “The energy remains constant—I always bring enthusiasm and vitality to everything I do. What has changed is the continuous progression: I’m always refining my craft and evolving my artistic language.”

S: “What has the collaboration with Paul William and MAĀT Gallery brought to you and your career?”

GP: “It brought me a lot of things, it was the first collaboration with MAĀT Gallery. It gave me the opportunity to experience the gallery’s unique space and, of course, provided me with a platform to exhibit in Paris for the first time. This was significant, as it allowed me to present my paintings independently—an important milestone early in my painting career. I’m grateful that Paul reached out and was so determined to work with me, building a relationship grounded on mutual trust. He truly took the time to understand my approach and my work. What I admire most about Paul is his philosophy, which is rooted in freedom and a sense of ‘love at first sight’ when it comes to his artists.

S: “Do you have a special connection to one of your early works?”

GP: “I often find it difficult to draw a clear line between what constitutes artwork and what does not. Before focusing on the visual arts, I was deeply involved in music, and I believe that part of me still resonates with that background. It has shaped the way I perceive the world, and remains an essential part of who I am, continuing to influence my creative process today.”

S: “What recent works are you most proud of then?”

GP: “I do not have a preference on a work of art that I have done but I do really love the works on paper from this past year. Ideally, however, I always strive for my most recent piece to be my best yet.”

S: “What feelings do you hope to evoke to your audience?”

GP: “I aim for my work to evoke an immediate sense of pleasure and joy. The idea of immediacy is crucial to me—much like when you order a dish at a restaurant, and the moment you take the first bite, you feel a wave of satisfaction. That instant reaction is what I hope to elicit with my art. I infuse my paintings with a kind of "vitamin," a burst of energy, and my goal is for that energy to resonate with the viewer, transforming into vitality and a renewed sense of life.”

S: “It sounds like exchange with people is central for you. Why is that?”

GP: “Connection with people is fundamental to me because art cannot exist without people and it is super important for me to be able to share my work.

S: "Do you have a personal motto, a mantra ?"

GP: “‘Il y a un autre monde mais il est dans celui-ci’ is a sentence and idea that I love. I don’t remember where I got it from exactly or who said it but it has become my mantra. It's such an open-ended statement and everyone can interpret it in their own way. For me, it represents an infinite well of possibility, where magic and reality coexist. They aren’t separate realms but rather a way to highlight that magic exists within our reality, through limitless potential.”

Depuis les débuts de MAAT Gallery, Geoffroy  Pithon a été un artiste déterminant, évoluant en parallèle de l’histoire de la galerie. Au cœur de son travail, un alliage parfait entre peinture et design graphique, incessamment conduit par la volonté de façonner des objets visuels non conventionnels. 

En parlant avec Geoffroy, je souhaitais en savoir plus sur les influences qui nourrissent son identité artistique et son processus créatif. Pendant notre conversation, je lui ai demandé s’il avait une devise, un mantra personnel en quelque sorte. C’est une chose que j’adore demander aux personnes que j’apprends à connaître ; leurs réponses sont souvent révélatrices, permettent de mieux comprendre leur univers. Voici sa réponse : “Il y a un autre monde mais il est dans celui-ci” (Citation de Paul Eluard). Je lui ai demandé pourquoi, et il m’a répondu que l’image d’un monde imaginaire coexistant avec le monde réel permet d’élargir le champ des possibles, donnant l’illusion que tout peut être réalisé. Je perçois précisément cette idée d’infini potentiel à travers l'œuvre de Geoffroy. Chacune de ses œuvres me donne l’impression de découvrir de nouveaux mondes, cachés dans un monde plus vaste. Les possibles s’y découvrent et s’y atteignent à l’infini, et en temps que spectateurs, nous pouvons choisir dans lesquels plonger. Ce que j’aime le plus dans le travail de Geoffroy c’est l’autonomie qui m’est conférée, en tant que spectatrice – qui me permet de ne pas seulement contrôler ce que je vois mais de décider comment je le vois. C’est à nous de reconstituer les innombrables mondes cachés dans l’ensemble plus vaste. 

Cette conversation offre seulement un aperçu du monde intérieur de Geoffroy Pithon ainsi que de son processus de création. Ses peintures sont vives, audacieuses, charismatiques et marquantes – des qualités qui définissent bien son travail. J’espère que cette interview vous les fera ressentir! Sur ce, bienvenue dans les mondes de Geoffroy.

-Soraya. 

(Traduit de l'anglais par Maya)

S : “Peux-tu te présenter ? 

GP : J’ai eu mon diplôme des Arts Décoratifs de Paris en 2012, j’ai été exclusivement graphiste pendant 8 ans avant de décider de commencer une carrière artistique en 2020.

S : A partir de quel moment as-tu commencé à te considérer artiste ? 

GP : J’ai commencé à me considérer comme un artiste en commençant à peindre de mon côté. Mon processus de création est un peu différent, je travaille avec une multitude de disciplines et de formats différents. C’est une approche multidisciplinaire qui rassemble la peinture, le papier, et la couleur, afin de transcender les frontières traditionnelles et dialoguer avec les différents domaines de la créativité contemporaine.

S : Y a-t-il eu un moment précis ou tu as décidé de te consacrer complètement à l’art ? 

GP : Je faisais partie d’un collectif de graphisme appelé Formes Vives, qui m’a donné l’opportunité de m’essayer à un grand nombre de projets créatifs. Quand le collectif a pris fin en 2020, cela m’a laissé la possibilité de me consacrer entièrement à l’art. Je suis super reconnaissant envers mes collègues et ami.e.s de l’époque !

S : Quel est ton premier souvenir lié à l’art ? 

GP : Mon premier souvenir artistique est relié aux musiques de mon enfance – les chansons que mes parents écoutaient, qui n’étaient pas vraiment appropriées pour une oreille d’enfant. Déjà à l’époque, je me rappelle avoir été touché par la musique de Bob Dylan, en ressentant la profondeur avant même de pouvoir la comprendre complètement. En grandissant, certains bouquins pour enfants m’ont aussi fortement marqué, et un en particulier m’avait captivé, Le Voyage de Thomas Aigle Bleu. C’est un beau livre illustré représentant la vie des peuples autochtones d’Amérique. C’est un livre que j’ai beaucoup chéri, et qui continue d’être une source d’inspiration pour moi aujourd’hui. 

S : En parlant d’inspiration – qui et qu’est ce qui t’inspire ? 

GP : L’inspiration, ça a toujours été un sujet complexe pour moi, je vois ça plutôt comme un flot continu d’énergie. Chaque jour, je trouve de l’inspiration dans ce qui m’entoure – mes objets, mes livres, ma famille, mes ami.e.s, et ma façon unique de percevoir et d'interagir avec le monde. Je suis particulièrement inspiré par les artistes qui défient les frontières, qui refusent de se limiter à une seule discipline. Iels sont les vrais aventurier.e.s de l’art, ils épousent la liberté dans leur processus d’expression artistique. 

Oskar Schlemmer, par exemple, qui navigue entre le théâtre, le graphisme et la peinture. Ou encore Mariano Fortuny, un artiste du XIX-XXe siècle, relativement méconnu, dont j’admire grandement le travail. Miquel Barceló se distingue aussi par sa capacité de brillamment mêler céramique et performance artistique. 

En termes de peinture, Rose Wylie et Isabella Ducrot (que j’ai découverte plus récemment) sont de grandes influences. A vrai dire, c’est difficile d’en nommer que certain.e.s, il y en a tellement dont le travail me touche. La peinture anglaise sera toujours importante pour moi, avec des artistes comme David Hockney, qui incarne ce que je préfère dans l’idée de tradition. En France, le mouvement nabi du début du XXe siècle, avec des figures comme Pierre Bonnard, André Derain et Paul Gauguin, me fascine. J’admire comment ils ont réussi à faire le pont entre les beaux-arts et les arts appliqués, en donnant une dimension décorative à leurs peintures – ils ont dépassé la toile et en ont fait des objets quotidiens. 

Chacun.e de ces artistes, à leur propre manière, exemplifie la fluidité artistique et le courage créatif qui m’inspire. 

S : Comment es-tu parvenu à établir ton processus créatif et ton domaine artistique ?

GP : J’ai trouvé mon approche simplement par la pratique. Travailler sur papier m’a semblé assez naturel – cela remonte à mon background en graphisme, où le papier a toujours été structurant. Mes premières peintures étaient sur papier, et c’est à travers ces premiers travaux que j’ai réellement appris à peindre. Ma démarche s’inscrit dans l’action et dans l’instant présent ; je ne me base pas sur un sujet prédéterminé ou un plan détaillé. L’équation parfaite pour moi c’est ça : l’action et l’instant présent. 

S : Comment a évolué ta démarche artistique ? 

GP : Ma démarche artistique évolue en fonction de l’environnement professionnel dans lequel je me trouve. Travailler avec MAĀT Gallery, par exemple, m’a permis de créer et d’explorer la peinture à de nouvelles échelles, de nouveaux formats. Je dirais que mon travail est toujours en mouvement – mon approche aujourd’hui est bien différente de mon approche d’autrefois, et je sais qu’elle continuera à changer dans le futur. 

S : Dans ce cas, qu’est-ce qui a changé et qu’est ce qui est resté pareil ? 

GP : L’énergie reste similaire, constante – j’apporte toujours de l’enthousiasme et de la vitalité à ce que j’entreprends. Ce qui a changé, c’est mon progrès : je re définis constamment ma pratique et j’évolue dans ma démarche. 

S : Qu’est-ce qu’a apporté la collaboration avec Paul William et MAĀT Gallery à ta carrière ? 

GP : Ça m'a beaucoup apporté, c’était ma première expérience avec la galerie. J’ai eu ainsi l’opportunité d’expérimenter dans cet espace assez exceptionnel et bien sûr, ça m’a aussi offert une plateforme sur la scène parisienne. C’est quand même significatif, j’ai pu exposer mes peintures de façon indépendante – une étape importante, arrivée précocement dans ma carrière de peintre. Je suis reconnaissant envers Paul de m’avoir contacté, d’avoir été aussi déterminé à travailler avec moi, en construisant une relation de confiance mutuelle. Il a vraiment pris le temps de comprendre mon approche et mon travail. C’est ce que j’admire le plus chez Paul, sa philosophie, qui repose sur la liberté et le “coup de foudre”, lorsqu’il s’agit de ses artistes. 

S : Est-ce que tu as une connexion spéciale à une de tes œuvres ? 

GP : Je trouve ça toujours assez difficile de définir clairement ce qui constitue une œuvre. Avant de me concentrer sur les arts visuels, je faisais beaucoup de musique, et je crois que cette partie de ma vie a vraiment façonné la façon dont je perçois le monde, continue d’être une partie essentielle de moi-même, et d’influencer ma démarche artistique. 

S : Alors de quels travaux récents es-tu le plus fier ? 

GP : Je n’ai pas de préférence pour une œuvre en particulier, mais j’aime beaucoup les travaux sur papier de cette année (2024). Mais idéalement, j’essaye toujours de faire en sorte que ma dernière pièce soit la meilleure. 

S : Qu’est ce que tu espères faire ressentir à ton public ? 

GP : Mon objectif est que mon travail soit évocateur d’une joie, d’un plaisir immédiat. L’idée d’immédiateté est cruciale pour moi – comme quand on commande un plat au restaurant, et qu’à la première bouchée, on ressent une vague de satisfaction. C’est cette réaction instantanée précisément que j’espère éveiller avec mon travail. J’infuse une sorte de vitamine dans mes peintures, une bouffée d’énergie, et mon objectif est que cette énergie fasse écho chez le spectateur, pour se transformer en vitalité…en élan de vie. 

S : A t’entendre, on comprend que l’échange avec les gens soit important pour toi. Pourquoi ? 

GP : Connecter avec les autres m’est fondamental : l’art ne peut exister sans personne pour le regarder, c’est super important pour moi de pouvoir partager mon travail. 

S : As-tu une devise ? 

GP : “Il y a un autre monde mais il est dans celui-ci” est une phrase et idée que j’adore. Je ne me rappelle pas exactement où je l’ai entendue ou de qui elle est, mais c’est devenu mon mantra. C’est une phrase complètement ouverte à l’interprétation ! Pour moi, c’est la représentation d’un puits sans fond de possibilités, où la magie et la réalité coexistent. Cette phrase nous dit que ce ne sont pas vraiment des dimensions différentes, c’est plutôt une façon de mettre en lumière le fait que la magie existe au sein de notre réalité, comme un horizon sans limites!”